Sleeping People ‎: Growing

ARTIST / Sleeping People
TITLE / Growing
LABEL / temporary residence
DATE / 2006

2385。スーパーバンドとして一部で騒がれたのも今や昔、当時瞬間的にインディー流通業界ではやったマスロックなる部類のスタイルでインストを聞かせるバンドの調子はどうだい。そんなSleeping Peopleの2ndにがこちら。ボートラをつけてジャケ違いの日本盤もリリースされました。今回あげてるジャケは日本盤のものです。メンバーはHoward HelloのKenseth Thibideau（ベース、参考１２）、Brandon Relf（ドラム）、 Joileah Maddock（ギター）、Kasey Boekholt（ギター）。数曲でニューヨークのバンドDirty Projectorsのメンバーでもあり、Joileahの代わりに一時的に在籍したAmber Coffmanがギターで参加し、さらにボートラを除くラストのM10ではバンド初めてのボーカル曲を採用、歌をPinbackのRob Crowが歌っている。サンディエゴなメンバーたちの集まり。M3なんかを聴けば、それとすぐにわかる攻めてくるダブルギターのフレーズによるポリリズムと反復によって、ぼくたちの興奮は否応なしに高められる。これこれ！こんな演奏！といった具合。当時はその気分の高まりにより、来日公演まで果たした破格の待遇を受けたわけだけれど、シーンはそのまま鳴かず飛ばずで縮小したか、あるいは僕たちの耳から零れ落ち、それ以上広がるようなことはなかったというありがちな物語。それこそ、この手のインストのリバイバルが来ればきっと参照されるバンドだし、今聴いても十全にかっこいい曲も多いから、ぜひ若い人たちには興味関心を持ってほしい。あと、やっぱりRob Crowのボーカルは良いし、この方向性を突き進めるってのはたぶん正解だったし、かっこいいし、何よりだと思う。そろそろPinbackでも聴くかな。名曲。

Rhys Chatham : Two Gongs (1971)

ARTIST / Rhys Chatham
TITLE / Two Gongs (1971)
LABEL / table of the elements
DATE / 2006

2256。以前紹介した盤"A Crimson Grail - For 400 Electric Guitars"。ニューヨーク出身のギタリスト兼作曲家。現代音楽、と呼べるような実践というよりもより、ロックな分脈なんでしょう。でもロックンロールの精神ややり口と、クラシック音楽が入り組んだような感性でもってRhys Chathamの試みは具現化されている。1時間にわたる歪んで重層化した音色のドローンの起伏はなだらかで、たたき終わったシンバルの振動がわることなき増幅能力を与えられているような感覚に襲われる。サイケデリックとも呼べるような音像の結び方。korこれは本作のタイトルにもあるように、Ryhs Chatamと、La Monte Yongの弟子の1人であるフルクサス関係のサウンド・アーティスト和田義正さんとの2人が、ゴングを演奏しているからであります。本当に、誰も得しない2人の共同作業なわけです。1971年に作曲され(といわれるような体裁を持っているのか、そもそも楽譜があるのか)、1989年にレコーディングされた音源らしい。それまでに1971年に1回、1973年に一回演奏されていて、本作は3回目の挑戦。ちなみに和田さんが相方に選ばれたのは2回目からだという。録音自体はこれまたニューヨークのアヴァンギャルド音楽の中心で活動するPhill Niblockが担当。場所は彼が主催するニューヨークのExperimental Intermedia Foundationにて。この手の音楽は、ライブの1回こっきりで、空間を占める圧倒的な音場を伴って成立するような気がしてならないわけで、その場で霧散する限りにおいて、伝説のパフォーマンスとなるわけだ。部屋の適当なオーディオで聴いても、なんら感慨も何もないわけで、ただただ1時間以上のけたたましい音の揺れに耳を馴染ませていく作業となる。それを望むのか、望まないのか。それはそれとして資料としての価値はあるのでしょうけど。こんな音楽は、デジタル配信されることはないんだろうなぁ。というか、されていたとして、それを何も知らずにダウンロードしたキッズが気の毒でならないよ。本人の弁によれば、このゴングへの取り組みが、その後のギター作品にかなり影響を与えているということです。

Joanna Newsom : Ys

ARTIST / Joanna Newsom
TITLE / Ys
LABEL / drag city
DATE / 2006

2251。リリース当時、とても話題になったことを覚えている人もいるだろう。居るかな。いないだろうなぁ。それももう10年前です。たまりませんね。1982年生まれの女性ハープ奏者による2nd。根っからのdrag ciryミュージシャンのようです。2015年にも新譜が出ていて、しっかりと活動しているよう。やり口はカントリー風味、というわけでもない。ストリングスとハープが複雑な構成を編み上げていて、中核に癖のあるボーカルが乗っかる。どこかで聴いたことがあるようなストリングスのアレンジだとおもった方は耳がよい方ですね。あとで述べますが。唯一無二なご様子は確保しているが、Carol Kingなんかを想起する程度に鼻を経由した声と、展開である。とてもクリアにハープの音声とボーカルが芯を捉えているように感じる。強烈なリアリティだとおもいます。本作がなぜ話題になったのか、それはこの変わった演奏形態がそうさせているとかそんな話ではなくて、バックヤードで行われている夢の競演が関係しているとおもわれる。ミックスは、Jim O'Rourke、ボーカルとハープの録音はAlbini先生。ここまでは割りと多種多様のレコード見られるシカゴの兄弟関係といったところであるが、本作では夢心地にオーケストレイションをアレンジしているのがVan Dyke Parksだということ。指揮とアコーディオンなんかもやっている。そもそもプロデュースにParksが半分関わっているわけで。それにしても繰り出されるストリングスの癖が"Song Cycle"と同じであるってところが何だか笑えるし、それでいいのだなぁともおもいます。この世代を超えたアメリカの軸で串刺しにされた本作は、しかし聴けば分かるが、そのボーカルもあいまって、長尺の曲も独特のカロリーを伴って聞かせてくれるクオリティがある。それもあって、本作は06年ベストアルバムの選抜常連であったし、ともすれば00年代を通して選ばれることもあった。それぐらい評価の高い歴史的な１枚とあいなったわけです。インディ系メディア代表格の辛口Pitchfork Mediaがつけた点数は9.4だったとか。そういうことです。ただリリース当時の僕の関心は、洗練よりもささくれだったということで、本作を聴いてまだいいかなとおもった次第なわけでした。評判は当然知っていたんですがね。10年越しに良い音がなっています。しかし、その後のリリースはあんまり話題にならなかったという悲しみもあるね。

John Beltran ‎: Human Engine

ARTIST / John Beltran
TITLE / Human Engine
LABEL / milan
DATE / 2006

2248。以前紹介した盤"John Beltran presents Music For Machines"。John Beltranの7thあたり。結構リリースがあるのですね。ジャケだけ見たら割とださめというか、この手のダンス・ミュージックにはそぐわないような気もします。なかなか手が出にくいのではないか。ちなみに僕が買ったのはUS盤でukのレーベルexceptionalからリリースされたものは、曲数が少なくジャケが少し違うようです。どちらが正式なのかよくわかりませんが。時代を追って聴いていないのでアレですが、デトロイト志向、ラテン志向、アンビエント志向と、割と贅沢に高水準の盤をリリースする作家なわけですけども、本作では、生に近い楽器の鳴らせ方で、ビートあり、旋律主義的で、ノスタルジックな演出が際立っています。誰もがぐっと来る仕上がりといえるでしょう。そうかとおもえば、M4のようにクラシックでややアシッドなビートを敷いた曲でデトロイトを経由したUKコーンウォール派のような音を鳴らしたりもするからなかなか手に負えない。それも再現率が高い。この手のジャンルを結構聞いてきた自負、いやアンテナを適度に長めに設定していた自負があるのに、割とリリースを重ねているJohn Beltranをなぜ最近まで知らなかったのか本当に不思議でなりません。ディスコグラフィーを眺めていると3rd"Moving Through Here"をリリースした1997年と、4th"Sun Gypsy"がリリースされた2002年に多少感覚があり、そしてジャケを見る限りではここでデトロイト的なダウンテンポからラテン調へのギアチェンジが図られたのではないかと推察される。そして、僕はラテンはよくわからないので一番厚く盤を買っていた時期と重ならなくなってしまったというのがありそうなシナリオではなかろうか。そして最近また、元のスタイルに戻しつつあるからひっかかったという次第。所詮は、僕個人の矮小な受容史な分けだけど。1997年にリリースをいったんやめたってのは興味深いところがありますね。それにしてもM6における粒感の創出や、高音の旋律使いを踏まえても、相当の才人だとおもいます。もっと声高に宣伝していきましょうか。満足度の高い1枚だとおもいます。"Ten Days Of Blue"欲しいですね。レアみたいです。

The Red Krayola : Introduction

ARTIST / The Red Krayola
TITLE / Introduction
LABEL / drac city
DATE / 2006

2323。以前紹介した盤"Japan In Paris In L.A."。2323。Mayo Thompsonを中心に、彼を慕って集まるシカゴのミュージシャンたち。決してぎらぎらしたり、挑戦的なアプローチを見せたりするわけではなく、しっかりとした歌を据えて、音楽をやっている。それがThe Red Krayolaというプロジェクトな気がしている。本作に集まっているプレイヤーは以下のとおり。John McEntire(ドラム、シンセ、録音ミックス)、Stephen Prina(ギターその他、参考)、Noel Kupersmith(ベース、参考)。いちおうそれぞれ、メンバーのような扱いでもあり、ジャケ写にも裏表で顔がプリントされている。おそらく表ジャケのアコーディオン弾きはCharlie Abelという方。プロジェクトとしては牧歌的に転回するような楽曲が多い印象だが、それがどういうことでしょうか、M3の丹精なつくりなんかは、仕事ぶりがThe Aluminum Groupのようなさわやかさと00年代のポップネスを感じさせます。渋さとは無縁の軽やかさです。2006年といえば、シカゴのシーンが割りとひと段落した頃でしょうか。Tortoiseも"It's All Around You"のリリースが2004年です。世間の関心もすっと抜けるようにシカゴシカゴいわなくなってきている頃です。いいのか悪いのかは置くとして。それでもジョンマケの関心を反映したようなエッジの効いたアプローチもある。シンセで組んだようなパターンのビートがあったり、リズム自体がもこもこと瓦解していたりする。サイケデリックから世界放浪のたびを経て、芸歴も40年を超えるMayo Thompson自体がどこまでこのアプローチをウェルカムで受け入れているのか気になるところ。ただインナースリーブによれば、本作は、オーストリアはグラーツ出身の画家(と思われる)Jörg Schlickに捧げられている。画像検索すると、割とサイケデリックな色調の作品を発表しているようだ。そんな作家への敬愛を考えると、決して不可解なやり口ではないのかもしれない。たとえ、Mayoさんが当時60歳を超えていたとしても。シカゴ勢の落ち着いた仕事ぶりを感じられる割と面白い1枚ではある。

Hecker : Recordings For Rephlex

ARTIST / Hecker
TITLE / Recordings For Rephlex
LABEL / rephlex
DATE / 2006

2284。これまでmille plateauxのコンピなんかで言及してきましたが、フル盤は初めて。しかもrephlexという。Richardさまが動き出したけど、どうもクローズしたといううわさでもっぱらのレーベルですから、いろんなのが廃盤の憂き目にあっていて、それはもう見つけたら買っとけという始末。それでも、クラウド、ストリーミング、ダウンロード、その他もろもろの手段によって音楽はデータ化されたわけですから、そんな心配なんて、ばら撒かれた世界中の盤たちを一箇所に集めて爆発でもさせない限りは、マスターがなくなろうとも消え去る可能性は低いという世界を行き始めた時点で、ないわけである。ドイツ出身の生粋のmegoっ子であるFlorian Heckerは、それはそれはラップトップ音楽のど真ん中で、ただただ自分が気持ちよい音を追求する変態おじさんで、ぐいんぐいんビートを手繰るようなことはしないけれども、ともすればノイズとも取られないクリックをばら撒きながら、アシッドをビートレスに解釈して音をひねり出したりする。 Russell HaswellやPeter RehbergやMarcus Schmickler、あるいはコラボフル盤を出している偉大なる刀根康尚さんなんかとやっているエリートが、アプローチはよりポップスなRichardさんからのオーダーを受け入れるという珍事を、いぶかしんでいる暇はないと思う。もう潔いほど開き直ったタイトルをつけつつ、やってることはどこまでもHeckerのサウンド・ドローンであるから、だまされたと思うか、チンコがあらぬ方向に曲がって電子の極北への探求を始めるか、それは人それぞれ。計算されたエラーという誤謬した正解を堪能しましょう。世界の都市ビエンナーレでなんの疑問もなく流されているのはこんな音楽たちです。

Urban Tribe ‎: Authorized Clinical Trials

ARTIST / Urban Tribe
TITLE / Authorized Clinical Trials
LABEL /rephlex
DATE / 2006

2223。以前紹介した盤"Acceptable Side Effects "。Urban TribeことSherard Ingramさんにによる2nd。mo waxからのリリースに続き、しばらくの沈黙を経てrephlexからのリリースとなりました。DrexciyaのDJ Stingrayとしても活動し、MoodymanことKenny Dixon Jrやら、Carl Craigやらとも絡むデトロイト流の核心部分でひっそりと狂信を生み続けているとか、いないとか。どっちなんだい。rephlexからやるってなると、壮麗さなんてものよりも、シンプルですかすかなエレクトロだろってことで、本作でもぶりぶりなベースとドラムのタペストリーを麻薬的に練成しています。エレクトロ復権なんてものも、とうの昔で、インターネットではコンパクト化した機材でもって広義のエレポップが膨大に生み出されている状況のなか、誰が好き好んでこんな音楽をパーティ感覚で聴くものかねといぶかしく思いつつ、それでも歴史はいつだって廻るわけだし、シンプルなブレイクビーツはいつだってヒップホッパーたちの魂のブラザーな分けであるからして、Urban Tribeのrephlex作がぶりぶりぼりぼりとうなぎのぼりの評価を得ることだってあるのだろう。50年後のエレクトロクラシックとして。どっかで何回も聴いたことがあるようなM12の'RNA World'をどうぞ。そういえば、うねうねっていう形容詞、めっきり読まなくなったぜ。

Milenasong : Seven Sisters

ARTIST / Milenasong
TITLE / Seven Sisters
LABEL / monika
DATE / 2006

2220。東京に言ってユニオンとか回ってたら、ふと手にとってしまうのは、大学時代に刷り込まれたいくつかのレーベル。っつうことで、レーベル以外何にも求心されずに本作を買う。ドイツの女傑集団(あくまで女性作家が多い、という程度に意味ですが)、monikaよりSabrine MilenaによるプロジェクトMilenasongの1枚。もちろん女性です。いつものとおり、ダウンテンポかつ、有機的な暖色系サウンドで、穏やかな心持にさせてくれます。本当に、本当に小品。この後、Milenaさんがリリースを続けているのかどうかもよくわからない。どこまでもmonika的でありますが、凡庸といえば凡庸で、際立って耳をそばだてるポイントを見出すのは難しい1枚です。もはや結構なライブラリーの分量になってくると、本作なんて僕が死ぬまでの間にもう一度でも再生されることがあるのか(おそらくないだろう)という不安に駆られている日々です。嘘のようで本当の話。もっと聴きたい盤は世の中に腐るほどあるのだけれど、そのなかでも本作が僕の手元に寄ってきたという奇跡の意味を数十年後にでも噛み締めようと思う。

Bola ‎: Shapes

ARTIST / Bola
TITLE / Shapes
LABEL / 33（skam）
DATE / 2000/2006

[38-71]。以前紹介した盤"Gnayse"。Bolaによる幻の作品集です。位置づけ的には2ndに当たるんですが、何せ2000年当時は、skamのサブレーベルである33ってとこから、12インチ3枚組みとして限定300枚でリリースされたという極小流通ですから2ndというには間口が狭すぎるという。それが2006年に親元のskamからボートラ3強をくっつけてリイシューされたという次第です。BolaことDarrell Fittonは、決して表だった活動をしているわけではないので、もはや現在のエレクトロニック音楽界隈でどのようにとらえられているのか知りませんが、皆さんご存知のとおり、今でもゴリゴリと活動しているAutechreの兄貴的な存在であり、彼らの別名義Gescom（参考１）というユニットも組んでいます。音は最初からBolaです。美麗で、心に届きやすい旋律を、ビターなコーヒーのような味わいでもって聞かせてくれます。大人の電子世界です。でも、憧れてしまうことを可能にする程度に聴きやすい。Autechreなんかは、もはや難解な部類に入ると思うけれど、Bolaがやっているのは、Bolaらしさを強調した上でのリスナーへの奉仕である。決して聴くものを拒絶しない姿勢が感じられる。それゆえ、超絶寡作でありながら、当時は人気があった。2007年に"Kroungrine"をリリースして以来、2013年現在は沈黙しているので、忘れ去れる前に早いとこ戻ってきて欲しいものです。「Bolaの新譜が出たんだって！」って僕たちが若い世代に伝えられるように。それと、もはややってるのかやってないのかもわからない程度にしか展開していないskamの存在価値を高めることも大事かもしれませんね。にゃー。

Christopher Willits ‎: Surf Boundaries

ARTIST / Christopher Willits
TITLE / Surf Boundaries
LABEL / ghostly international
DATE / 2006

[33-71]。以前紹介した盤"Folding, And The Tea"。粒を繊細に並び立てることかけては21世紀の初頭で右にでるものはいなかった。新宿のタワレコでインストアイベントを見たことを思い出す。ギターを自分の手法によって新たな電子楽器に変換したかっこよいマッチョな兄ちゃんだった。で、僕たちもちょっとずつ12k界隈なんかも見過ごしがちになるわけですが、その間にもWillitsさんは世界のあほあほブラザーとコラボ盤を出すなど、精力的に名前を広げているのだと思う。そう信じているし、あとは、多くの君たちに任せているのだ。で、僕たちの視座からちょっとずつ消えていったときに、リリースされていた本作。レーベルは12kから離れ、School Of Seven Bellsなんかをようするghostly internationalに映った。アレほど繊細だった作風は、華美な見せ場を獲得し、あげるに十全なボーカルなんかも乗っけて、とても壮大な1枚になっている。その中に織り込まれているWillits独特の粒感もあいまって、とても綺麗な1枚である。さすが、という言葉がよく似合うように思う。ジャケットとの相性もしっくりきている。お似合いだ。ジャケが気に入るならば、本作の内容もじぇじぇじぇとくるだろう。ドラム、管楽器、弦楽器と、生音も各種取り込みながら、有機的電子というものを抜群に提示している。春は終わる。夏が来る。秋は飛ばされる。冬は眠る。そんな四季のなかで、その全てを彩るにたる音色を持っている。それこそ有機的電子の本領である。温かく、冷たい。あがるし、眠くなる。そんな曖昧なものたちをアウフハーベンしている。そんな出来だから、決してひるむことなく、誰でも気に入ると保証できる。どんな気分であっても、本作はその空気感をきちんと演出するだろう。カットケ。

Brad Mehldau Trio ‎: House On Hill

ARTIST / Brad Mehldau Trio
TITLE / House On Hill
LABEL / nonsuch
DATE / 2006

2093。 Larry Grenadier（ベース）、Jorge Rossy（ドラム）、そしてBrad Mehldau（ピアノ）。2002年録音。Radioheadの名曲'Everything In Its Right Place'などを含むカバー集"Anything Goes"と同時につくられたんだとか。それでこちらにはBrad Meldauのオリジナルを詰め込んだという。現代においてジャズを問うときに、もはやただの旋律やモードなどの手法だけでは到底やっていけないのだろうという想像のなかで、Brad Mehldauは、何かを瓦解させるように自分のブシをひねり出している。リズムは、心地よく変則化し、それでいてメロウ。きわめてシンプルで、お洒落で、しかしインテリジェンスを感じる。しかし、Brad Mehldauは、その確立した個人としてのプレイにより、どこまでもBrad Mehldauで、いくつか過去の巨匠とよばれるプレイヤーの盤を聴いてくると、ジャズ特有のチーム感があるかというと少し違う。作家Mehldauは余すところ泣く、永遠に続くかのように流されるフレージングによってその作家性は強調されるが、リズム隊はどこまでもリズム隊である。もちろんトリオという性質がそのような結成を前提としているともいえるが。しかもリズムの気持ちよいフックでさえ、もはやMehldauになると自分で低音で演出してしまっているという。現代ポップスのロックバンドにおけるスター性とでも言おうか。もちろん、それを踏まえたうえでのチーム感というのは抜群で、その存在を隠している。もちろんM3の一部でちょっとGrenadierが前景化されることもあるが。 作曲する上で、理論家としても思慮深いMehldauがジャズ特有（なのかはしらんが）のインプロによるフレージングの点で、愛するのはThelonious Monk。われわれはもっと、振り返って考えなければならないんだ。なんかレビューとかあさってると、Brad Mehldauは腕に刺青をちらつかせながら、くわえ煙草でライブをするという。見てえー。現代において、とても良い盤です。是非、一般的にいうポップス中毒者に聞いて欲しい。

Amen Andrews Vs. Spac Hand Luke ‎: S/T

ARTIST /Amen Andrews Vs. Spac Hand Luke
TITLE / S/T
LABEL /rephlex
DATE / 2006

2025。Amen AndrewsことLuke VibertとSpac Hand LukeことLuke Vibertによる誰もが見たかった夢の大御所対決である。互いに、1曲づつ疲労していくわけだが、こちらのLuke Vibertがシャレオツな微アシッドを疲労したかと思うと、今度はこちらのLuke Vibertがヒップなドラムンをさらりとやっていくという具合でして、それはそれは贅沢のきわみでございます。似たような音楽ってのは、ハイテクサルほどに脱糞されていて、クラブなんかでも垂れ流されていて、店員が朝方にウンコを吹いて廻るのが大変だし、踊った人たちも老若男女問わずに、靴どこがべとついてしょうがないわけだけど、Luke先生が違うのは、その絶妙すぎる間の抜き合いだと思います。ぶつからんわなぁ。ボイスを織り込みながら、セクシーに言語中枢も刺激していくあたり、トイレよりもピロートークを想起させる。ちゃらちゃらした美しい女たちのうなじあたりから耳の裏を通じて音をぶつけてやりたい。そんな欲望を感じさせる。Lukeのプレイを見たことは1度しかないけれども、あまりにもグイングイン踊らせすぎることに息をつけなかった。汗をかいた。スポーツと愛は、きわめて近い場所にある。極めて近い場所、その抽象的なフレーズだけを取り出して、それだけを抱えることを想像してみる。僕たちは、その場所を探して、そのぎりぎりの皮膚感を求めて、たった一人で息をつく状況から抜け出そうと必死だ。

Outkast : Idlewild

ARTIST / Outkast
TITLE / Idlewild
LABEL /laface
DATE / 2006

1865。ぶっ飛ばしまくった前作"Speakerboxxx / The Love Below "の3年後にリリースされた、現時点の最新作。え、いつ出てたの、全然知らなかったわー、という声が身体の中心から反響してくるようですが、出ていたみたいです。Andre 3000ことAndre BenjaminとBig BoiことAntwan Pattonという才人2人がヒップホップをごった返した焼け野原にしたあとに、特にやることがなくなってもおかしくはない状態のなかでリリースされた本作。Lil' WayneやSnoop Doggというゲストもちょろちょろ呼びながら、前回はそれぞれが1枚ずつ担当した合わせ鏡だったのに対し、今回は一応形だけでも1人がOutkastとしての土壌を提供している。ヒップホップがそのファッショナブルな性質から、時代の最先端のトラックを作るようになって、どの程度時間が経ったのかわからないけど、本作でもやっぱり、ヒップホップのトラックこそが、今の、これからの音を丁寧できると思わせてくれる。M7のトラックとか、ここまでキャッチーでいながら、音自体は本当に謎の構築物だと思うのであった。M8の展開とか、にやつかんやつおらんだろうと思ったりするし。M9のサビとかジャズテイストとかのレベルじゃないだろうと思うし。Aphex Twinに憧れてしまう、どうしようもないお洒落ギャングたちによるただの2人がで主演を勤める映画のサントラで終わらせるには不憫な1枚だと思うわけで。すごいよね。わすれないで聴いてあげてください。

Sonic Youth ‎: The Destroyed Room: B-Sides And Rarities

ARTIST / Sonic Youth
TITLE / The Destroyed Room: B-Sides And Rarities
LABEL / geffen
DATE / 2006

1859。おそらく契約枚数を消化するために出されたのであろう音源集です。その後Sonic Youthはmadadorと契約し、メジャーからマイナーへと自ら望んで沈んできましたとさ。ジャケとタイトルはもちろんJeff Wallの1978年の処女作に由来。美術が好きなアートスクール上がりのメンバーたち、といかKim Gordon。本作の贅沢トラックはM11の'Diamond Sea'で26分弱。ショートバージョン（といっても20分弱）が"Washing Machine "に収録されている。もっとも古い音源はM3で1994。後はまばらに詰め込まれている感じ。11曲中7曲にO'Rourkeがからんでいることからも分かるように、比較的直近の音源を詰め込んでいるのでした。Sonic Youthが好きな人ならばたんまりと満足できる1枚である。アーティスティックで、優しい。それを突き破る情熱がある。それを覆い隠すインテリジェンスがある。それを食いつぶす粗雑さがある。それを整い挙げるバランスがある。Sonic Youthの何が好きかって、すべてだろう。ギターがロックというものを背負ってしまって以来、その独自の音をへろへろになりながら鳴らしているバンドをほかに知らないともいえる。僕は30代、４０代、５０代その他になったとして、Sonic Youthがどのような位置づけを与えられるかはしらないけれど、僕にとって、ザ・「ロック・バンド」は彼らだけであるし、それを常に現在形でもって、語らないといけないと思っている。

Tstewart ‎: Living Exponentially

ARTIST / Tstewart
TITLE / Living Exponentially
LABEL / merck
DATE / 2006

1856。以前紹介した盤"Bidnezz"今はなきmerckで看板をしょっていたMachine DrumことTravis StewartさんによるTstewart名義による唯一の盤。ちなみに今Machine Drumはplanet-muにその居場所を見つけた模様。2000枚限定の本作は、ドラムや弦楽器やピアノなど、生音をちりばめることでちょっと古めかしい電子ミーツロックな様相を見せる。Stereolabとかそのあたりの性質を感じさせる。当時の、というほど古い現象ではないが、乱立する電子レーベルことを考えると、目頭が熱くなる。彼らは淘汰されるか、自らの判断でその役割を、一方的に終えた。電子の世界が到達した音楽的境地は、その複雑さと卓抜な旋律と、音場の広がりと、音質の熟成によって、あらゆる音楽を数馬身の差で置いてけぼりにしていたと思う。音楽はもう、到達していた。CDが獲得できる彼方には。そこで生産される大量の名作たち。もはや掛け値なしの1枚は発見が難しくなった。埋もれていく傑作たち。もはやそれはどんぐりの背比べだった。階級のない、全てが豊かなユートピアがそこに現れていた。僕たちはそこに惹かれた。本作も、そのような世界の住人であり、ある意味で幸福な、しかし不遇な1枚だといえる。音楽は到達した。後は音楽を聴くのをやめるだけしか、僕たちに選択肢はない。

Massonix ‎: Subtracks

ARTIST / Massonix
TITLE /Subtracks
LABEL / skam
DATE / 2006

1853。myspace。factory系のパンクバンドBiting Tonguesで80年代を駆け抜け、その後808stateに合流し、そしてソロとして本作をリリースするという。いそうでいない経歴を引っさげた俊英Graham Massey。1996年から10年にわたってとり貯めた音源を惜しげなく詰め込み、その才能を見せびらかすいやらしい男である。素晴らしい。深海に憧れるには、少々大物過ぎる嫌いがあるけれど、レトロな電子性を他の追随を許さないコンポーズ力によって孤高を達成してるといえる。リリースが少ないだけある。ベストのような内容だといえる。大量リリースをするよりも、これぐらいコンパクトに時間を凝縮させたほうがよいものが生まれるという証左といえる。取捨選択の連続。時間は妥協という判断を許さない。しょうがないものは腐っていく。残したいものが、血肉として残る。締め切りに追われて走り続けるのは、ただのお洒落ワーカーでしかない。クリエイターとは、死ぬ間際にトイレに駆け込み、想像を絶するクソをする、愚鈍で、愚鈍で、愚鈍なやつなのである。いい盤だと思う。

AFX : Chosen Lords

ARTIST / AFX
TITLE / Chosen Lords
LABEL / rephlex
DATE / 2006

1756。2005年に連続リリースされたAnalordシリーズ。僕は1枚を除いて（07かな？てかバインダーがねー）　大体手に入れ、このブログでも何枚かレビューした（参考12）。で本作はそこからチョイスされた全10曲のコンピレイション的な1枚となっている。最初と最後は名義がAphex Twin名義となるけど、基本的にはAFXの方向性で構築されているのだと思う。そもそもAnalordシリーズがどういうコンセプトだったのか思い出せない。あるいはただの気まぐれだったのかもしれない。でも、現代において、そのアイドル性と天才性が共存する唯一の作家による最新の身振りに接することができるということで、僕たちは大いに興奮し、生命と宇宙とすべてのものに感謝した。本作で聴けるその選抜曲は、その1部であり、ポップスとして成立させるべく、CDメディアに封入された。その選択の考えうる恣意性によって、本作を天才による最新の音源として捉えるのは危険かもしれないけれど、各トラックは十分に（フロア仕様に）構築されているし、僕たちは十分に満足できる内容だと思う。もちろんポップスとしての、大きな物語としてのトラックは期待できないかもしれないけれど。収録されていないのは、01、02、09からの曲であるということを付記して置く。さて、われらがポップスターが新作をいつリリースするのか。次の話をしようじゃないか。

Sonic Youth : Rather Ripped

ARTIST / Sonic Youth
TITLE / Rather Ripped
LABEL / geffen
DATE / 2006

1724。myspace。主要盤としては15thくらいか。色々な転機を迎えて放たれている。ひとつには、Jim O'Rourkeが抜けたということ。これにより、多くのリスナーはかつてのSonic Youthに戻ったという。んなわけない。しっかりとO'Rourukeを経由した音になっている。穏やか過ぎるミックスが気になるところではあるが、繊細な音への気配りが、本当にノイズとして鳴らしているのかという違和感さえ提示する。見事としかいえない。しかし、それゆえに、カロリーがオブラートに包まれ、やや平坦さを感じさせるという感想もあるかもしれない。冷静すぎる、あるいは、そのように出力されすぎている、という。しかし、どこを切ってもSonic Youthの旋律と抜け、そしてたゆたいがあるから、俺たちのSonic Youthはまだまだそのまま、それで良いといえるのである。彼らにしか作れない、模倣を許さないという点において、作られる盤は、常に大いなる足跡の一部なのだと思う。ふたつめの変化として、本作を最後にSonic Youthはgeffenを去ったということ（正確には、1枚レア音源集を出しているが）。理由としては、最近の彼らの盤の扱いが気に食わないというものだったらしい。このような状況の変化が、本作で、あるいは次作の"The Eternal"で現れているのかは分からないけれども、状況とはときに大きな力を持つ。それは、もしかしたら今後のセールスにかかわるかもしれないから。しかし、俺たちのSonic Youthは、確固たる主体として、なんら変わらない「美しさ」を届けてくれる。それは2011年の現在において、俺たちのなかであっさりと証明されているのだ。近年、アヴァンギャルドな方向性は、それぞれのソロであったり、自身のsonic youth recordsにおいて存分に遊ばしている彼ら。それゆえ、表立ってリリースされる（というと御幣があるが）作品群は、今後も一流のポピュラー音楽として、洗練されたそれとして、提示され続けるのだ。2006年当時でも、50歳前後の偉大なる巨人たち。ありがとう、Sonic Youth。変わり続けてくれて、そのままでいてくれて。俺たちは、ただ、愛を捧げるだけだ。

Herbert : Scale

ARTIST / Herbert
TITLE / Scale
LABEL / !k7
DATE / 2006

1721。「奇蹟」という言葉を使ったLサイドによるレビューはこちら。2006年度ベスト盤選出で、Lサイドが使った言葉を引用するならば「変質的なまでにグロテスクなカオスをPopsという貌（かお）で祝祭的にマスカレードしたような音楽。消費社会的以後の美学の中でこれほどまでに余裕さを感じるコンポジションがなされたことがまず奇蹟」ということです。レコードなら針を刺した瞬間、CDならば再生ボタンを押した瞬間、ある種の確信が走ったとき、それは名盤と呼ばれる。本作は、残念ながら、その資格を有する盤である。1秒にも満たない瞬間で、その音のテクスチャを理解させ、続く瞬間でコンポジションの可能性全体を一気に提示することのできる音楽。年を追うごとに、天才Herbertのなすことは変質狂的なコンセプチュアリズムを帯びている。しかし本作では彼独自の美学におけるルールはなりを潜め、ひたすらポップスへと身体を任せている。アビーロードで録音されたオーケストレーションは、ハウスの流儀のもとで身体的な感覚を与えられ、それに浮かされながらDani Sicilianoさんのボーカルが流れていく。また、ルールを第一義としなかったとはいえ、Herbertのパラノイア的流儀はしっかりとアルバムワークに現れている。そこには種々の楽器からケーブ類、インコ、お菓子、潜水服、石、ゴルフボールといったさまざまなものが並べられ、「本作を作るために使われた635個のもの」という注釈がつけられている。複雑すぎるといっても良い音たちが〈サンプリング〉されたものたちを明かすことの意味は、必ずしもわれわれのリスニング経験に効果があると思わない。そこには、天才がわれわれを圧倒的に突き放すアイロニカルな手法が見て取れるだろう。これだけあれば君も本作を作れる、というような、冷たい、その、姿勢。天才にのみ許される傲慢だろう。そして、間違ってはいけないのは、本作がそのような屈折した音楽家から生み出した、明朗すぎるポップ作品だという点。そう、われわれがもっとも追い求める類の名盤だということだと思う。賞賛してもしすぎることのない、アゲポヨな名作。

Jonathan Kane : I Looked At The Sun

ARTIST / Jonathan Kane
TITLE / I Looked At The Sun
LABEL / radium（table of the elements）
DATE / 2006

1677。以前紹介した盤"February"。全2曲のシングル的内容。ちなみにタイトルはM2に関されており、 カントリーブルースの有名どころらしいFred McDowellによるトラディショナルな曲のカバーとなっています。ドラマーさんですが、ギターもベースもやっているみたい。サポメンとしてDavid Daniell（参考：１）がギターやペダル・スチールを投入している。まあインストです。実験におぼれることなく、ボーカルが乗ってもおかしくないかのようなもの。退屈っちゃ退屈ですが、丁寧で聴きやすいともいえます。何とか自分の土壌でルーツ音楽を再定義していきたいという、アメリカーナ復興への意識は高く買うべきであるし、雑実のない演奏に大いなる好感を持ちつつも、まあシングル的内容だし、どうこういうものじゃないだろう、買う必要はないだろう、という実感。M2のブルース・ミニマルとも言うべき構成は面白くもあるけれど、音に遊びがないのでいわゆる現代ロックの長ったらしい間奏を聴いているような気分になってしまうのが残念だ。この反復を聴かせたい、と思うのならば、それ相応の環境を整える必要があると思ったり思わなかったり。ま、そんな感じです。フル盤で聴くべき作家なのでしょう。