Original Silence ‎: The First Original Silence

ARTIST / Original Silence
TITLE / The First Original Silence
LABEL / smalltown superjazz（smalltown supersound）
DATE / 2007

2407。もう10年前ですか。つっても知らないけど。ノルウェーの電子実験系のレーベルsmalltown supersoundが当時調子にのって展開したジャズというにはあまりにもインプロへと崩れている音楽を包み込んだレーベルsmalltown superjazzより、知ってる人には驚きのスーパーグループの登場です。 おなじみのMats Gustafsson（バリトン・サックス、エレクトロニクス）、Thurston Moore（ギター）、Jim O'Rourkeをはじめ、 唯一現地のミュージシャンPaal Nilssen-Love（ドラム、パーカ）、イタリアのバンドZuのメンバーMassimo Pupillo（ベース）、オランダのバンドThe ExのメンバーTerrie HesselsことTerrie Ex（ギター）。ねえ、よだれが垂れます。ポップス市場でも勝負してきたゴリゴリのインプロ集団の夢の競演ですね。音源自体はイタリアはレッジョ・エミリアのTeatro Ariostoで2005年9月30日に行われたコンサートがベースになっています。14分強のM1からぶっちぎりのテンションで緊張感ある演奏を聞かせてくれますが、45分を超えるM2でもその勢いは衰えるどころかますます過剰に爆発していきます。インプロで頻繁に聴かれる間をもって町歩するというタイプというよりPaal Nilssen-Loveがばかばかたたき続けるためにそれに沿って演奏が間断なく続いていく印象。かっこいいです。誰が聴きたいんでしょうか。聴きたい人もいるんでしょうね。たまにライブなんかでこの手の演奏を聴くと燃え立ちますね。いいね。ジャケデザインはもちろんKim Hiorthøy。一応ジャズを冠するレーベルなんだからジャズってことにすればよいのだろうか。

Chicago Underground Duo ‎: 12° Of Freedom

ARTIST / Chicago Underground Duo
TITLE / 12° Of Freedom
LABEL / thrill jockey
DATE / 1998

2405。以前紹介した関連盤"Chicago Underground Quartet"。シカゴを拠点とする当時はまだまだ若手だったドラマーのChad Taylor（パーカ、ヴィブラフォン）とコルネット奏者Rob Mazurek（コルネット、ピアノ、フルート）による即興がちな競演。M2M5M7ではTortoiseのギタリストのJeff Parkerが参加している。90年代のシカゴシーンの一側面として若手ミュージシャンたちのジャンルレスな演奏活動っていうのがこちらにも紹介されていて、そのなかの筆頭株だった面々が彼らを中心に集まっていたわけで、そのシーンにあこがれて、ぼくたちもシカゴジャズフェスティバルなんかを見たりしたわけだ。そこでは秋吉敏子が演奏をしていたという倒錯した事態が起きていたわけであるが。コンポーズされている曲も含めて、緊張感ある演奏が繰り広げられるが、彼らの1stとしての側面はそのフリーなやり口の中に隠されているのだろう。その後プロジェクトは先に挙げたQurtetを含め、Trio、Ensembleなどと展開していく。本作リリースと同年にはOrchestra名義でもトロンボーン奏者Sara P. Smith、ベーシストChris Lopesを加えたメンツでdelmarkから盤をリリースしている。どちらが後でどちらが先かは録音時期からほぼ同時期のプロジェクトだったことがうかがえる。みんな友達。だが時は立ち。ミックスと編集はCasey Riceが担当。今でも盤を出せば話題になるTortoiseらと違って、ポップスの土壌で勝負しないプレイヤーたちは、シーンという名のブームの拡散により参照されにくくなるけれども、決して忘れてはならない背景という意味で重要な盤である。我々いたいけな子どもたちをよくわからないスタイルへと導いてくれたのは、シカゴのよくわからないこの実力者っぽいジャズ的な雰囲気だった。そして、定期的にデュオでリリースを続けているという点では、彼らの音楽は20年近くたった今でも、地元のシーンにおいて成熟と安定を迎えてアクチュアリティを持っているのかもしれない。

Pat Metheny Group : Stil Life (Talking)

ARTIST / Pat Metheny Group
TITLE / Stil Life (Talking)
LABEL / geffen
DATE / 1987

2365。以前紹介した関連盤"Trio 99→00 "。フュージョン名盤。期待していたPat Methenyの方向性ではなかったけれど、評判はすこぶる良い。グラミーも受賞している。しかし最近は別の方面から注目されているかもしれない。その理由は本作のM3'LLast Train Home'が『ジョジョの奇妙な冒険 スターダストクルセイダーズ』のEDテーマに採用されたから。印象的なイントロはもつものの、抑揚のない静謐な展開をする曲。激しいバトル漫画ながら風変りな世界観を持つジョジョとその親和性が絶妙だったわけだ。ジョジョのアニメ化が成功した理由は、色彩とデザインを重視したアニメーションの哲学に他ならないけれど、スタンド名と音楽の関係をきちんと取り入れているところなどがファンを裏切らないのだろうなどと表面的な感想を書いておく。ちなみに第一部がアニメ化されたときはYesの超絶名曲'Round About'がエンディングテーマだった。さて、そんなへんてこな文化的入口から門戸が広がったPat Methenyさん。本作は、そのあまりにも軽いテンションの曲が集合していて、ぼく個人的な趣味としてはやや外れる部分はあるけれど、たぶん広くアプローチできる曲が集まっていりるのだろうし、リラックスできるカフェ系音楽だ。もちろん静謐な音楽の中に、静謐なつま弾かれるPat Methenyのプレイは、穏やかに響きながらも、複雑さを置き忘れているわけではない。自然な身振りで、コンフォートさすら与える境地にいるわけだ。、メンバーはメインのPat Metheny（ギター）、Lyle Mays（鍵盤系）、Steve Rodby（ベース）、Paul Wertico（ドラム）、 Armando Marcal（パーカ、ボーカル）、David Blamires（ボーカル、Mark Ledford（ボーカル）といった面々。今年はリオオリンピックで、ブラジルな音楽が広く聞かれることになるだろう。その広範な影響圏に確実に置かれるこの名盤が、先の複合的な要因でもって新たに聞かれることは容易に想像できる。澄み渡る空気感を胸に、あまりにも無害な音楽がある。別に聴かなくてもよいけど、たぶんどこかしらで聞いてしまうであろう1枚となっている。

Eric Dolphy ‎: At The Five Spot, Volume 1

ARTIST / Eric Dolphy
TITLE / At The Five Spot, Volume 1
LABEL / prestige
DATE / 1961

2239。"Outward Bound"。Dolphy一流のインプロが冴えるバップを乗り越えた名作、みたいな感じ。メンバーはEric Dolphy(アルト・サックス、バスクラ)、Booker Little(トランペット)、Mal Waldron(ピアノ)、Richard Davis(ベース)、Ed Black Well(ドラム)。ニューヨークはマンハッタンにある有名なジャズクラブThe Five Spotで行われたセッションの一部。Vol.1とあるようにVol.2もあるし、"Memorial Album"、そして死後に発表された"Here And There"に分散して収録されている模様。Dolphyはアメリカで十分な評価を得ることが出来ず、ヨーロッパにその活動の場を見出し、そしてあっけなく死んでしまったわけだけど、その渡欧の前に祈りのように吹き込まれた音源というわけだ。ビバップを前衛に片足を突っ込んで微妙にずらしながら、フリージャズといいつつその安定的な展開に、現代の耳で聞けば、スタンダードではないジャズという程度にまでそのハードルを下げることが出来るとおもわれる。そりゃあプロが聞けば、そのパターンや構造的な部分で、斬新な違和感を楽しめるのだろうけど、半世紀以上前の話なわけで、時期的には微妙なずれしか存在しないのだから。ただDolphyが作り出そうとしたユニークさでもって、現代でも手垢の付かない新鮮さを維持しているのは確かだろう。詳しくは知らないが、Booker Littleとの双璧によって本作のインプロは冴えに冴えているし、ピアノのMal Waldronも先導的でありつつ、ソロではカロリーを下げることがない。とにかくアンサンブルの一体感がすごい。コレが一流のライブ・パフォーマンスであり、コレが最高の録音で残されているということが、音楽文化をパッケージ化してきた人類の誇りなのだろう。M3'The Prophet'で縦横無尽にアルトサックスを吹きまくるDolphyのプレイに濡れない人間は居ないのではないだろうか。この文字通り息も詰まるようなインプロは、きわめて真摯に自分の音楽に取り組み、そしてその音楽の境地に到着している。稀に見るプレイである。決して冷めることのない熱々の名盤。

Bud Powell : The Scene Changes

ARTIST / Bud Powell
TITLE / The Scene Changes
LABEL / blue note
DATE / 1959

2332。ジャズ名盤探訪。黄金期のblue noteより、魔術的ピアニストBud Powellさんの人気盤ですね。伏し目がちにピアノへと傾倒するPowellさんの後ろからひょこっと子どもが顔を出しているジャケットが印象的です。Bud Powell(ピアノ)、Paul Chamers(ベース)、Art Taylor(ドラム)のトリオで、磐石です。本作は、blue noteより50年代頭からリリースされ続けた＜The Amazing Bud Powell＞シリーズの5作目で、ジャズが好きな人からすれば、数多のミュージシャン・ナラティブにのっとって薬物やらアルコールやらで統合失調症ライクとなり、すでに輝きを失っていたという。それでも彼にはジャズしかなかった、といえば聞こえが良いが、本作がどうにも日本で人気が高いというのも不思議な話である。もちろん聴けば分かるが、やや乱れたフレージングだとしても、全曲オリジナルで勝負するという意気込みも含めて、それ相応の迫真のプレイがモダン・ジャズの灯火を赤く燃え上がらせているように感じる。有名なのは、エキゾチックな響きがあるM1の邦題「クレオパトラの夢」。指が付いていっていないという感想はさておき、ChambersとTaylorの着実すぎる下支えがトリオとして十全に魅力的だと思う。BPMは決して落とさない。バラードで勝負するようなことはしない。疾走する統合失調症である。ピアノ、ベース、ドラムというトリオ形式というのも、Bud Powellが築き上げたという。リズム隊としての左手を解放し、ジャズピアノはさらなる自由へと到着したという次第。Bud Powellといえば、「唸り声」が有名だが、本作ではそれもあまり気にならない。それを期待して針を落とした部分もあるが、本作ではノリ程度の感覚で控えめだと思う。その後Powellはニューヨークからパリへと渡り適度に迎えられた。しかし、故郷を忘れられず、帰ってきて、すぐに死んだ。41歳だった。

Red Garland Trio : Groovy

ARTIST / Red Garland Trio
TITLE / Groovy
LABEL / prestige
DATE / 1957

2329。ジャズ名盤探訪。50年代後半、Red GarlandはMiles周辺の第一期レギュラーピアニストであったわけで、それだけでも十分なわけですけど、本作には同じく第一期の若手レギュラーベーシストPaul chambersが適切にやっている。ドラムはArt Taylor。こちらも客演実績は最高の中堅だったわけです。そんなトリオが直球のタイトルで繰り出す本作が、変化球でも暴投でもボークでもないのは、単なるトートロジーでしかない。あまりにも綺麗なジャズです。タイポロジーとさえいえる響きと安定と充実と、ジャズがある。本作のようなまっすぐで真摯な1枚が、それ相応に歴史に残るには、それが置かれる一種のアートワールドの強度にも依存するだろうが、本作はジャケも硬質でリスナーに所有する喜びと勝ち誇らんとする気分を与えてくれる。端的にかっこよいし、調子こいた発現を許すのではないか。俺は、なんというか、ジャズを聴いてるんだぜ、というやり口である。そうでなければ、最近でこそその力を減衰させているとはいえ、束となって積み上げられるミュージックの上澄みにとどまるのは難しいだろう。しっとりと聞かせることも出来るし、疾走させることもできる。この盤を聴けば、とにもかくにも、誰でも彼でも、エロい気分になれるかは別として、ご機嫌にはなれるだろう。それはそれは、ふさわしさが漂う名盤です。一音一音が冴え渡る。

The Bill Evans Trio : Moon Beams

ARTIST /The Bill Evans Trio
TITLE / Moon Beams
LABEL / riverside
DATE / 1962

2318。Bill Evansの盤を数枚持ってるはずだが、1枚も触れてないという事実。60年代に入り、絶頂を迎えたEvans。まさにEvans時代。"Portrait In Jazz"、"Waltz For Debby"、"Explorations"、 "Sunday At The Village Vanguard"と、どれも強烈なプレイで、何の懸念もない、ピアノジャズ入門作品集となっている。いわゆるリバーサイド4部作である。もちろん、ジャズのジャの字も知らない僕が最初に手を出した数枚も、Bill Evansの前述した盤たちであったことは言うまでもない。どうしようもない入り口なのである。それだけ残しているわけだから、その他、Evansのリーダー作ってのは、後景に引っ込まざるを得ない。それはどうしようもなく仕方ない。あげだしたらきりがないという。そして、史実として、その絶頂期のベースとなったトリオの1人、ベーシストのScott LaFaroがヴィレヴァンでのライブ録音後すぐに交通事故で死んだという出来事もあった。それを乗り越えるのには、いくばくか時間がいり、そして、メンバー変更はいくばくかの影響を及ぼしたことだろう(それでも、その間にJim Hallとのデュオ傑作"Undercurrent"を発表している)。そして新しいトリオとして、ベースにChuck Israelsを迎えて制作されたのが本作である。ドラマーは変わらずPaul Motian。それまでの圧倒的到達と、若き仲間の死が、彼のその間の身振りを圧倒なものにしてしまったがゆえに、この盤はとても控えめな評価を得ている、と入門者としては感じざるを得ない。それでもBill Evansの切れ味と、響き、充実したEvans節に満ちたソロは、素人聴きしても、それまでの4作となんら遜色はない。一説には、Chuck Israelsの、それこそ控えめなベースが、Evansのプレイの添え物に徹することによって、そのピアノを前景化しているという話。それゆえトリオとしての充実感が薄れたのかもしれないが。それは知らない。それでもEvansを楽しみたいというリスナーにはリバーサイド4部作同様、本作もしっかりとフォローしておくべきでしょう。ちなみに、原典を参照できなかったが、うわさがうわさを呼んでいることがある。それは、本作の印象的なジャケットを飾っているモデルである。時代は60年代初頭、ニューヨーク。その後、彼女は空前絶後のポップ・アーティストに愛され、彼がプロデュースしたバンドとともに、1966年に彼女の顔の代わりにバナナを配したジャケットを携え、歴史的傑作をリリースすることになった、というなかなか面白い話。

Charles Mingus : Oh Yeah

ARTIST / Charles Mingus
TITLE / Oh Yeah
LABEL / atlantic
DATE / 1962

2315。以前紹介した盤"Mingus Ah Um"。重要盤が多いMingusですが、本作もタイトルどおりのご機嫌っぷりでフリーキーで祝祭的な輝きがあります。Doug Watkins(ベース)、Dannie Richmond(ドラム)、Roland Kirk(テナーサックス、フルートなどがちゃもの)、Booker Ervin(テナーサックス)、Jimmy Knepper(トロンボーン)、そしてCharles Mingus(ピアノ、ボーカル)。M1からMinusのアジってるような掛け声(豚の泣き声)がご機嫌な気持ちにさせてくれます。彼が演じるのは、楽器という枠を超えたブルースです。あれ、Mingusってピアニストだっけと、ちょっと立ち止まればすぐ気付くわけです。彼は本来はベーシストです。そんな彼が、ベースを後輩に託し、ピアノを弾き始めます。そして、魂をのせるようにこってりしたブルース・ボーカルを展開しています。それぞれの楽器は、その魂に寄り添うように、緊張感を持った演奏をしている。本作でもっとも長いM2ではRorand kirkとBooker Ervinがそれぞれソロを披露する。すでに絶頂期を迎えたバップの帝王であり、ボーカルを聞くと、その辺のロックよりも怒りと倦怠を携えているように思う。何でもありといえばなんでもありなんだろうけど、音楽への没入を考えたとき、その専門性からの離脱は音楽そのものの表象として、重要だと思う。もちろん、その対価として、Doug Watkinsはドキドキしながらベースを弾いたに違いない。何だか、Frank Zappaに接しているような感情がわいてくる。決してスマートではないが、ブルースで、ジャズで、何よりも音楽である。単なる面白さでは片付けられない魅力がある1枚となっている。

Grant Green : Grantstand

ARTIST / Grant Green
TITLE / Grantstand
LABEL / blue note
DATE / 1962

2313。以前紹介した盤"Idle Moments"。布陣は、Grant Green(ギター)、Al Harewood(ドラム)、 Jack McDuff(オルガン)、Yusef Lateef(テナーサックス、フルート)。クレジットはされていないが、wikiにはBen Tucker(ベース)の名前もある。確かにM1とか低音が聞こえる。謎。リーダー作としては初期の録音。Grant Green弾きまくり、というよりも、わりとキチンと他のかたがたにもソロをあてがっている。しかし、やはりGrant Greenの曇りなきプレイが始まるとコレだけ聴いていたくなるという魔力がある。しかしオルガンのJack McduffがM1なんかではむしろ決めてくるわけで、それはそれ。M2ではスタンダード'My Funny Valentine'をしっとり、というか陰鬱でべっとりと聴かせる。ギターがマイナーに泣きまくってるので、個人的にはいまいちな曲であるが、スタンダードのギター解釈という意味では、本作を有名版として位置づけるのに一役買っている。そしてM1と打って変わって、Grantが全面に出てくる。でもそういうことじゃない。McDuffさんが抑えに押さえたオルガンワークで支えているところが実は好感が持てるところではある。小難しいことは一切ない。時代のなかをちょっと風変わりな編成でバップしている。編成の妙を除けば、曲自体は割と退屈な仕上がり、いやネガティブな語感を廃すれば、害なく鳴るジャズです。M4はブルース構造をギターとオルガンでつむいでいく。M1を除けばチルしっぱなしになる1枚です。ちなみに、僕が買ったのは2015年にリリースされたpickwick盤でして、ジャケが違います。blue noteとの権利関係はよくわからない。今後自分が、持ってないと勘違いしてblue note盤を買わないことを願うばかりです。

John Coltrane : Giant Steps / Lush Life

ARTIST / John Coltrane
TITLE / Giant Steps
LABEL / atlantic / prestige
DATE / 1959 / 1961

2304。以前紹介した盤"Ascension"。not now musicの2枚組みシリーズ。どういう基準でこの2枚を選んでいるのか。1枚目は"Giant Steps"。タイトルも含めて有名な1枚。メンバーはJohn Coltrane(テナーサックス)、Paul Chambers(ベース)、Wynton Kelly(ピアノ、M6のみ参加)、Tommy Flanagan(ピアノ)、Art Tylor(ドラム)、Jimmy Cobb(ドラム、M6のみ参加)というなかなか界隈をわかす名盤請負人のプレイヤーたち。M1からハードバップとは違う疾走感あふれるフレージングとビートで最高に聴かせてくれる。俗に言うColtraneの「シーツ･オブ・サウンド」とはここで完成したといわれる。途切れなくコードを変えながら高速フレージングでソロを拭き続けるという化け物のようなやり口で、本作の全ての曲を書き下ろしたという。絶好調のChambersのダブルベースは決して控えめではない。そして、ピアノソロが終わった後に満を辞してColtraneが拭き始めたときの射精感。ムーディな世界に堕することなく常にアジテートし続ける音楽。これこそ回顧から逸脱できる数少ない現代の音楽であろう。John Coltraneの偉大なる一歩が本作で始まり、追い求めすぎてフリー・ジャズへいたるというのは何の不思議でもない。音楽におけるテクニックの必要性をまざまざと見せ付けられる。で、"Lush Life"。リリースこそ遅れたが、録音は、1957年~1958年。"Giant Steps"の前年です。メンバーはJohn Coltrane(テナー)、Donald Byrd(トランペット、M4)、Red Garland(ピアノ、M4M5)、Earl May(ベース、M1-M3)、Paul Chmbers(M4M5)、Art Taylor(ドラム、M1-M3)、Louis Hayes(ドラム、M4)、Albert Heath(ドラムM5)。ことの重要性は素人にはよくわからないが、M1-M3にあたるトリオでの演奏というのが、John Coltraneにとっては珍しいという。その後、ソロの可能性を追求するColtraneにとっては、むしろ主軸を1本に絞ったほうが、良い気がするのだが、どうもそういうわけではないようだ。やはり、ピアノとのソロ回しってのが基本になるということか。ということでB面ではGarlandが入るし、"Giant Steps"でもKellyやFlanaganという名プレイヤーをどんと導入しているわけだ。その後のColtraneと比べると、安穏で、言い方を気をつけるとしても、伝統的な類である。爆発前夜とはまさにこのこと。よくも悪くも、真っ当な1枚で、それゆえにColtraneの名盤としては弱いとされるのかもしれない。

Jaco Pastorius : Word Of Mouth

ARTIST / Jaco Pastorius
TITLE / Word Of Mouth
LABEL / warner
DATE / 1981

2301。以前紹介した盤"S/T"。M1から何かしらがブーストされたかのようなベースワークですこと。Jaco Pastouriusが単独名義でリリースした2nd。まだWeather Reportのメンバーだったが、本作の翌年に脱退している。ビッグバンド形式ということで、メンバーもたくさんいるし、とても華やかな仕上がりになっている。80年代のサウンドプロダクトの悪癖というか、だささも垣間見えるが、それはそれ。たとえばM2。Weather ReportでJacoが作った曲のリメイクだが、壮絶にださ美メロ。これをやって許されるのはStievie Wonderだけだ。というか、強烈なたぎりを秘めたM1を除けばなんだかほがらかでクリアである。この辺がJaco Pastoriusのちゃんとしているところというか、それゆえ、コアに愛されないところなのかもしれない。いちおう、中核となる6人のメンバーをあげると、Jaco Pastorius(ベース)、Don Alias (パーカッション)、Randy Brecker (トランペット)、Peter Erskine (ドラム、ティンパ二)、Bobby Mintzer (サックス、バスクラリネット)、Othello Molineaux (スティールドラム)。そこに馬鹿みたいな数のホーンセクションが加わる。他にも遊びごころというか、バッハの「半音階的幻想曲とフーガBWV903」を出だしベースでぶりぶりとかっこよく、なぜか後半ややオリエンタルな鳴り物で仕上げたり。そこからThe Beatlesの'Bkackbird'のカバーへと突入したり。根本的には、多分、一気に音楽の技術的な世界が広がりを見せる時代背景っていうのが、この手の天才を惑わし、最先端に偽装した古びざるを得ない挑戦ってのに手を伸ばすようそそのかしているんだろう。M6のタイトル曲は、音こそややダサいけど、試みとしてはM1にまだ通じるものがあるフリーキーなたたずまいで今でもわりとかっこよく聴ける。そしてラスト。また牧歌的なホーンアレンジ。天才ベーシストが、ホーンアレンジなどなどでその才能を爆発させたという触れ込みではあるが、確かにすごく良く出来てるけど、とにかくダサい。ダサい。80年代特有のシンセがさらにその感覚を高めてくれる。垣間見れるどころの話ではなかった。それでも、30代後半と若くして草葉の陰に入った音楽家が残した数少ない1枚だから。ある程度は強く評価されても、別に文句はないし、これはこれで、聞き込まれれば良いと思う。どう間違ってもSquarepusherを期待するとかはなしだぜ。

Ornette Coleman : The Shape Of Jazz To Come / Something Else!!!!

ARTIST / Ornette Coleman
TITLE / The Shape Of Jazz To Come / Something Else!!!!
LABEL / atlantic / contemporary records
DATE / 1959 / 1958

2300。以前紹介した関連盤"At The Golden Circle Stockholm Vol.2"。名盤探訪。めんどくさくなってきたという理由で2枚組にしたわけではない。たまたまである。ジャケは2010年にnot now musicよりデジタルリマスタされて2枚組にしてリリースされたやつ。それ。一応1st扱いのやつからってことで、"Something Else!!!!"について。メンバーはOrnette Coleman(アルトサックス)、Don Cherry(トランペット)、Walter Norris(ピアノ)、Don Payne(ダブルベース)、Billy Higgins(ドラム)。のちにフリーで厄介なことになるColemanさんですが、本作では若手プレイヤーを引き連れて、珍しくピアノもいれて、表面的には聴きざわりのよいビバップをやっている。メロディアスで、ほがらかだ。それでも一応、Colemanの初作であるし、きちんとしたジャズ畑のひとならば聞き分けられる程度に奇妙なコード感やらを盛り込んでいると思われる。それでも気候との愛称抜群な小気味よさが漂いまくっているので、変貌しきったあとのColemanにおぼれていると、これじゃないってことになるでしょう。それでも、とにかくその胎動を嗅ぎ分けるために存在する優等生の仮面をかぶった1枚。ジャズ史的にはColemanの初手というだけで重要という話。んで、3rdの"The Shape Of Jazz"。邦題は『ジャズきたるべきもの』。すごいですね。もうM1から不穏すぎて勘弁してください最高ですよって感じ。メンバーはDon Cherry(コルネット)、Ornette Coleman(アルトサックス)、Charlie Haden(ベース)、Billy Higgins(ドラム)。ということで、ピアノレスになりました。安易なコード感から解放され、とにかく流れ流され、決まったことなど糞食らえ、すごくミディアムテンポであるのに、瓦解するぎりぎりで不穏さを演出する。誰がこれを歓迎するのか。それでも、聴いたものは、新しいジャズの到来を感じずにはいられなかったというわけだ。M2から走り出します。不穏です。強迫観念に襲われているかのように、吹きまくる。決して安心を与えない。それぞれのプレイヤーがColemanの理念にどこまで共鳴してやっていたのかはわからないけど、とにかく始まったわけだから、やるしかない。やるしかないことしか、この世界にはない。そして、物事はすすみ、まるで世界が変わったように見えることもあるし、実質的には、そうでもないという。そして世界は変わるし、決して何も変わらないのである。入門にするには、毒が足りないけど、一応典型的な入門盤だということです。

Kenny Dorham : Afro-Cuban

ARTIST / Kenny Dorham
TITLE / Afro-Cuban
LABEL / blue note
DATE / 1957

2298。もういいんじゃねんかなジャズ名盤探訪。といいつつblue note名盤探訪なような気がしてならない。そして有名なプレイヤーが多すぎて覚えられないというね。で、いまさらながら、というかようやくKenny Dorhamまで手が回り始めるというか。録音は1955年。メンバーはKenny Dorham(トランペット)、 Jay Jay Johnson(トロンボーン、M1-M4M9)、Hank Mobley(テナーサックス)、Cecil Payne(バリトンサックス)、Horace Silver(ピアノ)、Oscar Pettieford(ベースM1-M4M9)、Art Blakey(ドラム)、Carlos "Patato" Valdes(コンガ、M1-M4M9)、Richie Goldberg(ベル、M1-M4M9)、Percy Heath(ベース　M5-M8)といった感じ。M8M9はボートラです。レコードでいうA面B面で録音日時とメンバーに若干相違がある。タイトルからしてまさにアフロとキューバなリズム感覚であるけれども、というかラテンフレイバーですね。それを消化せずに割りと愚直にジャズへと落とし込んでいるので、今聴くと斬新さというよりも牧歌的にさえ感じてしまいます。レビューを呼んでいると、そもそもKenny Dorhamは静かなプレイヤーだそうで、それを知らない僕としては、割とはじけたプレイボーイをイメージしてしまいますが、どうも違うようです。てめーのりのりじゃねえかと言われて、いえいえ実は僕は違うんです、といわれても何の説得力もないほどに、サンバである。当時、あるいは、その後1980年代あたりのクラブジャズの分脈において、世界音楽的な見直しのもとで、わりと評価されているのかもしれません。個人的にはさほど好きではありません。もはや世界音楽そのものが飽和してしまい、その特徴を何度も何度も再生産するような傾向にあるから。もう新鮮でも何でもないという。というか新鮮でなくなったときにこそ、フラットな音楽性が問われるのかな。現代とはわからない。興味があればどうぞ。

Duke Ellington : Money Jungle

ARTIST / Duke Ellington
TITLE / Money Jungle
LABEL / united artists jazz / bluenote
DATE / 1963

2297。名盤探訪。Ellingtonの名盤はこれでいいのかは知らないけど。演者はDuke Ellington(ピアノ)、Charles Mingus(ベース)、Max Roach(ドラム)と豪華だし、タイトルがいかす。Ellingtonは1899年！生まれ。それを考えたら、残りのMingus(1922年生まれ)もRoach(1924年)もまだまだ若手に属する部類。いやいや、両者ともほぼ40代だ。もう感性とかそんな抽象的な話でお茶を濁すような年代ではない。どんどん若手プレイヤーが出ているわけだ。それがジャズが脂ぎって、もうそろそろ乾燥しようかしらんという60年代に結実するという。あまったるいプレイをしても仕方ないって具合で、もう何だかアバンギャルドで混沌としている全体性を示している。もうあらゆるフレーズを弾きすぎてあきちまったという感じが漂っている。グルーブはのりのりなのに、決してリスナーを巻き込もうとしない。瞑想のような演奏である。そのほとんどがEllingtonによる作曲だが、有名なM6の"Caravan"でさえ、もう怒りにもにたたたきつける演奏で、強烈。きんきんしてる。じじいがやる音楽じゃねえ。ましてやかつては楽団を率いた親分が、いっぱしのプレイヤーとしてやるようなアジ利方ではない。大人になるなよという猛りが響いている。それに対して、すでに上も上のほうで、Ellingtonの昔話を嘘も真実もまぜこぜにしながら語る世代である。MingusもRoachもジャズ全盛の黄金世代のトッププレイヤーなのだ。たどたどしく、しかしそれが神格化ゆえの魔法なのか、巨人すぎる巨人による身振りの為せる技なのかわからないような技術でもって繰り出されるEllingtonのフレーズは、彼らをびびらせ、こわばったアンサンブルが最高の緊張として響いている。古くない。古びようとすることを拒絶する。今の音を鳴らすことができる。だってここは、マネージャングル。

Bobby Timmons : This Here Is Bobby Timmons

ARTIST / Bobby Timmons
TITLE / This Here Is Bobby Timmons
LABEL / riverside
DATE / 1960

2296。名盤探訪。 Bobby Timmons(ピアノ)、Jimmy Cobb(ドラム)、Sam Jones(ベース)。演奏もさることながら、本作はBobby Tuimmonsが作曲し、他のプレイヤーが演奏して大ヒットした誰もが知る曲がいくつも収録されているというところがポイントではなかろうか。まずはTimmons自身も所属したArt Bkakey & Jazzmessengersバンド用に作られた'Moanin'(参考１)や'Dat Dare'、あるいはCannonball Adderleyに提供した'This Hear'など。やっぱり'Moanin'なんでしょうね、誰もが知ってるに違いない曲という意味では。独特の跳ねたフレージングの才能があったのでしょう。そして転がるような指運びでも演奏できた。M9の'Joy Ride'なんかそう。肝硬変により38歳で死んでしまうわけですけど、がんばりすぎたのかなんなのか、この作曲能力はもっと活かされるべきだったでしょう。よく言及されるのは、影響としてのゴスペルから展開し、ファンキージャズといわれるようになるその変遷や対比でしょうか。聖から俗へ、というのは安直だい、どちらも黒光りしているというのも安直ですが、とにもかくにも彼にしか出せないポエジーってのがあったのは間違いないでしょう。自分の曲をやるときは、まるで強烈な指圧でクラシックな早弾きをたたききっているかのようなソロを見せるかと思えば、しっかりとバンドたちとスウィングしたりもする。有り余る多才が渾然一体となり、全体として楽しいわちゃわちゃを演じて見せる。結局のところ、ファンキーな音楽なのだろう。跳ねたピアノ主体のジャズを聴きたいっていう人は、Evansやらよりも断然こちらをどうぞ。

Clifford Brown / Max Roach : S/T

ARTIST / Clifford Brown / Max Roach
TITLE / S/T
LABEL / emarcy
DATE / 1955

2295。Lサイドによるレビューはこちら。名盤探訪。グラミーにも殿堂入りし、聴くべき100枚系の常連でもある本作。メンバーはClifford Brown(トランペット)、Max Roach(ドラム)、Harold Land(テナーサックス)、Richie Powell(ピアノ)、George Morrow(ベース)。このうち、CliffordとBud Powellの弟Richieは、同乗した自動車で1956年に事故死した。その悲劇的な、幕切れも本作の名盤具合を強くしている向きもあるだろう。Clifford Brownのメロウな旋律を高らかに吹き上げるセンスを中核にすえながら、それぞれのプレイヤーが渾然一体となり、うきうきしてくる演奏を披露している。ビバップが華やかな時代である。まだまだコード感のなかでそれぞれがアドリブの可能性を追求することができただろう。手法の安定とともに、伸びやかに、ドヤ感を廃したスタイルとして構築され、遊びなのかで完成された全体が見事だと感じられる。熱い。攻めてくる。それほどジャズに通じていない僕が形容するとすれば、『ルパン三世　カリオストロの城』における大野雄二バンドの演奏である。華やかで、空気をいっぺんさせ、マンネリを廃したスウィングでもってキャラクターを走らせる。本作で輝くM4'Daahound'などはその典型というか、ほぼ元ネタに近いグルーブがある。その意味で、Max Roacnのビートころがしってのも侮れない。これが僕が子どもの頃から知っている(空気のような、それゆえ意識的に接触していない)ジャズの展開である。遺伝子レベルかのように、たぎる。

John Coltrane : Ascension

ARTIST / John Coltrane
TITLE / Ascension
LABEL / impulse!
DATE / 1965

2294。以前紹介した盤"Blue Train"。イントロ？からかっこいい。ぶつかりあった音がもう最高に調和していなくてリアルだ。旋律というのではない塊で楽しませてくれる。これぞフリー。大好きだよフリー。本作は1965年にリリースされた"Ascension"。edhition ＩとＩＩを両方収録している。ＣＤのトラックリスト上edition IIがM1に配されているのは、Coltraneがこちらのほうを好んだという理由です。本作に参加している大勢の最高のプレイヤーたちを紹介して起きましょう。Coltrane(テナー)を筆頭に、Freddie Hubbard(トランペット、参考)、Art Davis(ベース)、Elvin Jones(ドラム)、McCoy Tyner(ピアノ、参考)、Marion Brown(アルト)、Pharoah Sanders(テナー)、John Tchicai(アルト)、Dewey Johnson(トランペット)、Jimmy Garrison(ベース)。管楽器の猛者たちがぶつかりあい、それをベースとドラムがとにかくざくざくと分けていく。そして散弾銃のようにばら撒かれるピアノのフレーズ。もう常にぶっちぎりの最高潮がそれはもう40分続くわけである。勘弁してよという人も居るでしょう。邦楽のバンドのライブでもあるけど、最後に割りと眺めにアウトロ弾いて、ジャンと絞める奴。ジャンと絞めずにそれが40分続くのである。終わらないオーガズムで頭がおかしくなってくるわけだ。まさに上昇し続けるわけだ。そのテンションのなかで、ソロまで用意されているという。他のメンバーのただの息継ぎであり、かつ次の不定形へのアジテーションである。このぶつかり合い、けんかジャズ。何だか砂嵐のようになあって見えないけど、あの中では高速でやつらが戦ってるんだぜ..感。それでも俺たちはその上昇する砂嵐をひとつのアンフォルメルな塊として獲得できるわけで、それに身を投じなくても良い。歴史的な名盤にして、今でもなんら新鮮さを失わない最高の演奏である。聴け。

Wynton Kelly Trio & Sextet : Kelly Blue

ARTIST / Wynton Kelly Trio
TITLE / Kelly Blue
LABEL / riverside
DATE / 1959

2293。名盤探訪。50年代の西海岸でもっとも信頼されたピアニストは誰か。Miles Davis、Cannonball Adderley、Dizzy Gillespieといったビッグネームに愛された、彼こそWynton Kellyである。という話。本作には、彼がNat Adderley(コルネット)、Benny Goldson(テナーサックス)、Robby Jaspar(フルート)、Paul Chambers(ベース)、Jimmy Cobb(ドラム)という6体制で収録したM1'Kelly Blue'、'Keep It Moving'がきらびやかに配置され、そのほかにはピアノ、ベース、ドラムというベーシックな3人体制で収録された楽曲が含まれている。表題曲であるM1はミディアムテンポながら、抑え目なリーダーを横目に、印象的なフックも聞きながら、各人のソロが冴え渡っている。そりゃそうなのかどうかしらないが、この2曲については、CobbとChambersは"Kind Of Blue"録音の数日後に取り組んでいるわけであるから。KellyもEvansにかわって1曲だけ弾いていたはずだ。そだから3人であっても、2人の歴史的なリズム隊に支えられることで今度はKellyが跳ねたフレーズをつむぎまくる。スウィングしながら、決して軽く行かない。とても力強い。そうかと思えば中盤ではスタンダードな楽曲を軽いタッチで引き上げるわけで、分裂症的な印象すら与える。スネオなのかジャイアンなのか。そこがKellyの問題である。適当だが。Miles流に言えば、Red GarlandとBill Evansのハイブリッドなのだという。ということは、スネオとジャイアンの比ゆってのはなんら的を得ていないことになる。スネオ＝Evans、ジャイアン＝Garlandということだ。、、、そりゃないぜ、ドラえもん。ということで、僕は攻めてくるジャズが好きなんですが、この1枚は控えめなわりに、エッジが聴いているので好きです。やりますね。名盤。

Helen Merrill : S/T

ARTIST / Helen Merrill
TITLE / S/T
LABEL / EmArcy
DATE / 1954

2292。ジャズ名盤探訪。一応ボーカルものも押さえておく。顔ジャケのなかでも結構有名な本作を抜くことはできない。まるでこぶしをひねり出しているような眉間具合だが、M1からしっとりとうたう。そして、ミックスの感じが、ここまでボーカルを押し出すねってほど近くで歌っていてびっくりする。ジャズ・ボーカルものってこう仕上げるのがスタンダードなのかな。まるでステージ正面で聞いているような印象。バックバンドのメンバーは、Oscar Pettiford(ベース)、 Jimmy Jones(ピアノ)、Clifford Brown(トランペット)、Barry Galbraith(ギター)、Milton Hinton(ベース)、Osie Johnson(ドラム)、Bob Donaldson(ドラム)という布陣。アレンジはQuincy Jones。へいへいへい！歌声が「ニューヨークのため息」とか言われているらしいが、本当かな。すげえ悪意に満ちた表現な気がするんですが。ため息を肯定的に捉えているのかな。そうこうしているとわりと有名なCole Porter作曲によるM2に。これは完全にLove Psychedelicoの元ネタですね。こんなところに材料があったとはしりませんでした。うたい方と節のつけ方がもうくりそつです。ただ偶然似てしまっただけでしょうか。そのほかはさほど似ていないから、あくまで言いたいだけという。Clifford Brownもいるから、間奏部分もしっとりねっとりと楽しめるけど、若手が聴くにはドレッシーできどってるし、甘ったるいし、古い部類に入るのではないでしょうか。それでもさらに古いクラシックであろうGershwin作曲によるラストM8なんかは、ぐいぐい来るBPMで心地よい疾走感を楽しめるし、好きになれそうです。20代前半の若者たちが集い、そしてその後の彼らの名声が始まるにふさわしい1枚だったようです。ジャズ・ボーカルに興味があればどうぞ。

Mahavishnu Orchestra : The Inner Mounting Flame

ARTIST / Mahavishnu Orchestra
TITLE / The Inner Mounting Flame
LABEL / columbia
DATE / 1971

2291。邦題は『内に秘めた炎』。時代はもうエレクトリックである。エレキの総大将であるジミヘンが1970年に死んだ時点で、それは次へと引き継がれなければならなかったし、実際にそれはそのように動いた結果によって、誰しもギタリストになろうとするのである。そんなジミヘンの遺骨を拾うようにギタリストJohn McLauglinが中心となって作り上げられたのが、卓抜なジャズ・ロックないしフュージョンに位置づけられる1枚である。1st。他のメンバーはJerry Goodman(ヴァイオリン)、Jan hammer(ピアノ)、Rick Laird(ベース)、Billy Cobham(ドラム)。1973年に改編されるまではこの初期メンバーだった。文法的には、スウィングやらなんやらするというよりも、変拍子によるグルーブを楽しむプログレのスタイルに近いように思う。それも極上の。たまらん。イギリスの若造だったJohn McLauglinがイギリスからニューヨークにき、誰もが知るように、Tony WilliamsのバンドLifetimeに参加したり、 70年にはMiles Davisの"Bitches Brew"でのプレイをまかされたりと、とにもかくにも彼こそが次世代のエレキギタリストだったわけである。Cohamもそうだった。そんな彼らが、その可能性を純粋にジャズへと傾けるというよりも、よりキャッチーに、よりポップに、より熱狂的に、時代にそくして作り上げたのが本作だと思う。もう、テンションがたまらん。M3の弾きまくりたたきまくりとかたまらん。wikiに書いているように、イントロ部分でGoodmanとLairdがHammerをはさんで大喧嘩して、その間にもMcLauglinとCohamが演奏続けたという逸話とかもう最高にロックだし、それゆえに、もうそんな逸話吹っ飛ぶくらいに最高なわけだ。最高最高最高。この曲だけでも聴こうぜ。本当にすごい。こんなんされたら、後世の皆様の努力はいつだって、あとがきにしかならないでしょう。もちろんMcLauglin自身が高度に卓越したジミヘンのあとがきとなってしまうように。かと思ったらM4みたいにヴァイオリンとかフューチャーして何だかインテリな曲をやってみたりする。この辺の勢いに任せないところが、ちょっとヒップじゃないというか、理性的だし、続く曲も勢いで処理するのではなく割りと泣いたりしてしまうという。めちゃくちゃかっこいいけどね。すごい1枚を聞き逃していたことにポップスファンとして猛省が促されました。傑作です。それにしても、これらを準備した道にはMiles Davisという大きな巨木があったというのは、本当に泣けるし、ちょっと怖い話ですね。そしてみながいうように、本作がキンクリの2期に影響を与えているのかどうか、という物語も興味深い。